Miguel Milá and André Ricard: Being a designer is a way of life


Milá and Ricard, from Barcelona, belong to a generation of explorers of uncharted territories when design was a word without meaning and the creative process was something to be described. Without any doubt, Miguel Milá (1929) and André Ricard (1931) are also behind raising awareness of design as a production strategy in Spain. As masters of industrial design, in 1987 both were awarded the inaugural National Design Prize.

An indefatigable intellectual, designer, professor, writer and president of the NGO Design for the World, in his prolific career André Ricard stands out for the design of the Barcelona Olympic torch of 1992, a date which also changed his birth city forever. The practice of Ricard has pursued the functional improvement of everyday objects where their ethics prevail along with the opportunity to interact with life through them.

An industrial and interior designer, inventor and bricoleur, some of the furniture and lamps of Miguel Milá have transcended the circumstances of their production era and retain their validity today, transformed into authentic, timeless classics. His specialisation in the creative process is to refresh tradition to improve life, day after day, through the comfort brought to us by our surrounding objects. Milá has been awarded the Compasso d’Oro and the Gold Medal for Merit in the Fine Arts, amongst others.


We met them at the headquarters of Santa & Cole on the occasion of the re-edition of the “radiant” (both due to its appearance as its use) Tatu lamp by Ricard, a 1970s pop icon. Wise, affable and approachable as they are, we talked at length about the relationship between form and function, utility and beauty, and culture and society; items that are inextricably linked to the activity of every designer.

To begin, I would like to approach the idea that you both have of design: when there is a problem or necessity, design comes into play “manufacturing” the solution. Is that what you both think?

André Ricard (AR): It is clear that there must be an initial problem in order to find a solution that solves it. Design is that search. Then, the way it is solved depends on how each one of us conceives design.
Miguel Milá (MM): In my case, the approach is personal and begins from within. Normally, I am not commissioned to design anything, so I design of my own volition. I have educated myself in interior design, working in interiors. I tend to solve the problems that I encounter to take care of comfort, an aesthetic satisfaction. When something excites me aesthetically, it already has my stamp of approval.
AR: As Miguel said, identifying a problem is not so easy. People become accustomed to living with “problems”. What a creative person must specifically do is anticipate, which is what Miguel does when he makes his decisions.

“Useful is beautiful”

The designs by Milá, particularly the Cesta lamp and all of its versions, are a clear example of form and function in perfect symbiosis: a portable lamp, like the old lanterns and their bearers, night watchmen. Miguel, which came first: the chicken or the egg? Does utility come from beauty, or does beauty come from utility?

MM: I maintain that it is unimportant, because if it is not useful then it is not beautiful. It certainly must be useful, and if it turns out to be highly useful then it turns out to be very beautiful.
AR: Allow me to add, elaborating on what Miguel has said, that utility is the objective; beauty is a consequence of having achieved utility.
MM: That’s the same thing, but put very well… (laughter).


So, André, let us think about Santa & Cole’s re-edition of the Tatu lamp—or armadillo—, a lamp with endless uses. For yourself, and linking to your previous answer, more important than the function is the behaviour of the individual around the objects: the uses. I think that it is a magnificent concept. Can you elaborate on that idea of usability for this specific case?

AR: The idea for the Tatu lamp arose—going back to the problem—because I like to read in bed at night and this was an obstacle, because my wife does not. There was a problem to solve. Seeing how I could read on aeroplanes at night thanks to a spotlight that only illuminated my book, whilst the rest remained in semi-darkness, I said to myself: “Why can the same solution not be adopted at home?” It was not a case of affixing a spotlight to the ceiling. I looked for a free-standing system that would allow a beam of light to be directed. This was the starting point for the Tatulamp.

And in terms of user experience, do you receive feedback from those who use it?

AR: : I do not usually have contact with the user, but I do have family and friends who have had the Tatu. For example, a numismatics enthusiast told me that it was perfect for examining stamps in his collection to see whether they had defects as it was such a strong and concentrated light. Tatu provides a different type of light with new uses.

And you, Miguel, what do you think of the relationship between the user and the object?

MM: The use of the object by the user is essential. If I did not contemplate this, I would not even think about design. I see the problems consumers have and what I try to do is solve them in a friendly, kind way, because objects are not always in use. A lamp, for instance, spends more time switched off than switched on; therefore, its presence is important. It has to accompany, it has to be comfortable to look at, it should not be bothersome; on the contrary, it should be pleasant. Comfort is of great concern to me.
AR: It is essential. With lamps, any of them, the aesthetical satisfaction they offer is a consequence of the excellent service they give us. When an object provides a good service you view it affectionately and this affection also forms part of the pleasure of using it.

Without a doubt, we all feel attached to certain objects, especially if they work well for us. We even recommend them.

AR: We all have our favourites without realising it. Indeed, if we want to cut something, there is a knife in our collection which we prefer to the rest and if we look for it, it is because it is the one that best serves its purpose.
MM: Well, relatively speaking it is another matter, it also forms part of the complete picture. I do not know why aesthetics deviates from the issue; I would argue that it is linked to the use.

Besides, it is very subjective… Continuing with the sensitive, personal experience as was the case with André, the aeroplane and the Tatu, Miguel, are you also governed by the same system, first observe and then solve?

MM: Absolutely, always and constantly. When I am asked when I design, my reply is constantly. I wander along the street solving tiny problems that do not actually arise, although I solve them in my head.
AR: To be a designer is a way of being, you cannot disconnect, you live it 24 hours a day.
MM: And they also say to me “You still work at 87? To which I reply: Of course! Every day (laughter).
AR: I consider that one of the qualities a designer must have is the ability to play a “movie” in his mind about how what he is designing will work in practice. In other words, imagining himself in the place of the user and seeing everything that would happen, positive and negative, when using it. This ability to put together this “movie” in his mind, seeing what the use will become of what is being created, is fundamental in order to rule out errors and move forward in the right direction.


Changing the subject slightly, when do you consider that a design becomes a classic, when does it endure for years as is the case with TMC, TMM and M64 and Tatu?

MM: To answer this I will refer to something a bullfighter named “El Gallo” said when one of his team asked him: “Maestro, what is a classic?”—we had always understood classic to mean from the past—, to which he replied: “Something which cannot be improved on”. I liked this phrase very much. I thought that perfection had to be sought.
AR: I believe that the continuance of an object on the market is due precisely to the quality of its design. There may be companies that withdraw valid products for reasons that have nothing to do with the quality of their design, but what prevails and endures is what the public has supported, endorsed by its functional excellence. There is a “cultural selection” in the same way that there is a “natural selection”. What does not work is cast aside, what is not liked is removed and what remains is that which serves its purpose effectively.

Continuing with the subject of form, does the best design contain the minimum elements, as Van der Rohe said: “Less is more”?

AR: There are those who say: “Less is a bore”. The basis of the principle that Bauhaus imposed was that with minimal forms better results could be achieved, both functional and aesthetic. It continues to be valid; things do not need to be complicated. Why make it complicated when it could be done simply?
MM: When things get complicated it is because the solution is not clear.
AR: Exactly, dappling is a way of hiding defects. The purity of a solution is, generally, a sign of good creative quality.

The philosophy of beauty: subtle utility

With regard to the function of a device—a designed object—and the role that aesthetics plays, you both affirm that functionality is in itself an aesthetic value. In addition, there is the symbolic usefulness of the piece, the subtlety, and the fact that the pleasure an object produces, for example, when looking at it—to mention one of the senses—is also a utility. Could you elaborate a little more on this concept?

AR: When it reaches its functional perfection a product is also beautiful. There are examples in other areas that link efficiency with beauty. For instance, even without an understanding of golf or tennis, when watching various players it is possible to see who the better player is just by watching their movements. The cleanliness of a swing, the harmony of a volley, etc., are directly linked to the perfection and efficiency of the stroke.

And regarding subtle utility?

AR: The pleasure that a device provides is largely due to it functioning well. If upon entering a room there is a TMM lamp in a corner, you remember how well it lights up the space and this makes you view it with pleasure. There is this highly intimate relationship between the satisfaction an object provides thanks to its functionality and the pleasure of looking at it.
MM: All the designers I know, myself included, are collectors of objects that have caught our attention. The case of Castiglioni is one of the most memorable. He had an immense collection. I remember on one occasion when we were with him, he gave us a cup made from two sheets of steel. When pressed on the sides, these sheets made the gesture we make with our hands to drink water from a fountain. It moved me, not aesthetically, but rather due to the ingenuity and simplicity of the execution. I also realised that it was beautiful; it was like a type of cone. It turned out that it was a campaign cup from the United States Army. Exciting! I still have it at home.
AR: Miguel had a large collection of rural objects. Objects that country folk created for their daily needs are generally outstanding examples of design because they have undergone a process of trial and error until reaching the form which perfectly fulfils their function. Analysing these examples creates sensations such as those described by Miguel.


The famous criticism of the modernist movement is lack of spirituality and excessive homogenisation. Following the modernist movement in architecture, the deconstructivism of Wolf Prix or Frank Gehry and later the parametricism of Zaha Hadid have been consolidated, championing curves and organic forms that exist in nature. What do you think of these styles?

AR: The modernist movement was very radical, with the application of pure forms and straight lines. Although it was a little aggressive, it meant an abandonment of the frivolity that existed until that point, of the Art Nouveau, and its useless complexity in everyday objects. One had to rationalise forms so they would function better and stop embellishing them for decorative purposes. The criticism makes sense, but I think that the guidelines set by Bauhaus and other movements of the time have been crucial for creativity in all of its facets. Indeed, the headquarters of Santa & Cole, where we are talking today, is a wonderful example of this. Regarding what is called postmodern architecture, aesthetically it can be seen as beautiful, consisting of building-sculptures. The Guggenheim in Bilbao is a magnificent sculpture, as is the Vitra Campus in Weil am Rhein, both by Gehry. Then, when you visit the Guggenheim in Bilbao, you see that all of this sparkling building is simply the entrance hall of the museum. The exhibition rooms are rectangular and are situated to the right and left. It is a sculpture that has been a dream for the city, because it has opened Bilbao up to the world of art. The fact is that the museum is located in a very favourable spot, in such a way that from the streets that lead towards it, it is seen in the background like a sparkling jewel; whereas, from a functional point of view, the Guggenheim in New York by Frank Lloyd Wright is an excellent example of how to lay out a museum logically. It starts from above and is traversed in a spiral, in such a way that the entire collection is seen, without any omissions. They are two examples of a museum where one can appreciate what reasoned architecture can do and another where simply sensationalism is sought.

And the buildings by Zaha Hadid?

AR: Everything has to go diagonally, moving towards who knows where, which unnecessarily complicates the construction, making it more expensive, when I think that, if there are the means, they should be used for other things. I cannot see any justification from a functional point of view, it is purely aesthetic.
MM: Jean Cocteau said: “Fashion is everything that goes out of fashion”. Gaudí, for example, is a genius I admire, but he is kitsch. However, the architecture and design of Casa Milá (La Pedrera), commissioned by my uncle, is admirable. It is acoustically flawless, it keeps out all of the sound coming from the street due to the curves, ceilings and undulating plaster, which in addition to concealing imperfections are works of art. On the other hand, I admire he who makes useless things, because I am unable to do so. I only make useful things that are as beautiful as possible. I admire the ability to make useless and beautiful things
AR: But then that is art.
MM: Yes, it is art.

Design is everywhere

Is design now more versatile, more inclusive, more popular if you will, or is it just another facet of material culture, to possess with a desire to accumulate?

AR: I think design has never intended to be elitist. The way in which the term design has been applied for publicity purposes is another matter. Design has to permeate through all of the social fabric and not limit its sale to selective boutiques. It would have to be present in stores like in department stores or similar. Design has to be in all of the products and objects of daily life. When I visit a country that I do not know, I always go to a supermarket to see the design quality of the most basic products: household items, packaging, sugar packets, etc. I note whether the blister packs open easily. There are little details like the fine golden thread in Ricola pills or After Eight mints, which allow them to open perfectly. All of this says a lot about the design level of the country.

Does design have more of a presence now than it did forty years ago?

MM: Yes, I think that Ikea, for all its virtues and faults, has contributed to raising the culture of design throughout society, mainly due to the prices—another matter is to look into how those prices are achieved—. One of the disadvantages of low cost is the short lifespan of products. Be that as it may, Ikea has helped people to understand design and stop so stiltedly buying copies of antique furniture.
AR: I have the impression, perhaps I am wrong, that design as conceived by Miguel and I is no longer allowed by companies; they want something more instant. The design of any of our works was not done overnight, it takes months. The director of a large company recently said to me that when a successful product from his sector hits the market, only four months are available (design/production/marketing) if its “slipstream”—the trend that the product has generated—is to be taken advantage of. Four months do not allow any of these things to be done well.

Plagiarism or homage

What effect does the issue of intellectual property have in this contemporary, hyper-connected society with access to an almost infinite volume of information?

MM: In the past, I suffered a lot thinking about this; now I suffer no more. I think that if they copy it, it is because the product is good, it is almost satisfying.
AR: Plagiarism is a sign of the highest admiration for something. Only what is admired is plagiarised. It is a way of expressing admiration, albeit poorly, but it is a form of admiration.
MM: It is good to stick with what is good.
AR: The subject of patents also worried me in the past. When I started, in 1951, I patented my first chair. We produced ten models and that was it. It costs a lot of money to protect a product well; all countries and many other aspects must be covered. The pleasure, the satisfaction, it comes to me from people liking a design of mine and it lasting over time. If it is copied, it is because people liked it. I would go so far as to say it is an accolade to be plagiarised. By the way, there is a very clever way to cover up plagiarism; it involves calling it “a homage to…” (laughter).

So, do you think that appropriation, reinterpretation, incorporation, revision, even the parody of others’ designs, is of use in design? I should clarify that it is a very common practice in contemporary art, a discipline with which design shares so many points of friction.

MM: In essence, we all copy, because we are all learning from each other.
AR: I would not use the term copy; the fact is that everything comes from something. The ideas that one produces have to have entered our minds in some way, because it is not possible to come up with something that has not come into our minds before, often subconsciously: a fleeting image, a memory, a system, we all apply existing systems. A complex mechanism or a simple wooden clothes peg suggest things, they inspire. That is not plagiarism, it is taking advantage of the discoveries that mankind has made, applying and adapting them to one’s own designs. Homage is different; for example, an object can be made that has exactly the same form as another: if it is called homage, one is excused.

To conclude, in terms of its social role, is design an epitome of changes in society?

AR: Design is eternal.
MM: Design has always existed; therefore, it is absolutely essential in life.

By Marí­a Muñoz


Photography by Adrià Cañameras

Miguel Milá y André Ricard: Ser diseñador es una forma de vida


Los barceloneses Milá y Ricard pertenecen a una generación de exploradores de tierras desconocidas, cuando el diseño era una palabra sin sentido y el proceso creativo algo por describir. Sin ninguna duda, Miguel Milá (1929) y André Ricard (1931) son también los artífices de la toma de conciencia del diseño como estrategia de producción en España. Como maestros del diseño industrial, en 1987 ambos fueron reconocidos con el Premio Nacional de Diseño en su primera edición.

Intelectual incombustible, diseñador, profesor, escritor y presidente de la ONG Design for the World, en su prolífica trayectoria profesional, André Ricard destaca por el diseño de la antorcha Olímpica de Barcelona 1992, fecha que también transformó para siempre su ciudad natal. La práctica de Ricard ha perseguido la mejora funcional de los objetos de uso cotidiano en la que prevalecen la ética del objeto y la posibilidad de interactuar con la vida a través de ellos.

Diseñador industrial e interiorista, inventor y bricoleur, algunos de los muebles y lámparas de Miguel Milá han superado las circunstancias en que se produjeron y mantienen hoy día su validez convertidos en auténticos clásicos intemporales. En el proceso creativo su especialidad es actualizar la tradición a su tiempo para hacer la vida mejor, cada día, a través del confort que nos aportan los objetos que nos rodean. Milá ha sido premiado con el Compasso d’Oro o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes entre otros.


Nos encontramos con ellos en la sede de Santa & Cole con motivo de la reedición de la “radiante” —tanto por su aspecto como por el uso— lámpara Tatu de Ricard, un icono pop de los años 70. Sabios, afables y cercanos, conversamos largo y tendido sobre la relación entre forma y función, utilidad y belleza, así como de cultura y sociedad, ítems inseparables de la actividad de todo diseñador.

Para comenzar me gustaría acercarme a la idea que ambos tienen del diseño: cuando hay un problema o necesidad, el diseño entra en juego “fabricando” la solución. ¿Ambos piensan eso?

André Ricard (AR): Es evidente que ha de haber un problema previo para buscar una solución que lo resuelva. Diseñar es esa búsqueda. Luego, el modo en que se resuelve depende de como cada cual entiende lo que ha de ser diseño.
Miguel Milá (MM): En mi caso el planteamiento comienza en mi mismo. Normalmente no me encargan nada, así que me lo encargo yo. Me he educado en el interiorismo, trabajando en interiores, tiendo a ir resolviendo los problemas que voy encontrando para atender a un confort, a una satisfacción estética. Cuando una cosa me emociona estéticamente ya la doy por válida.
AR: Como decía Miguel, detectar un problema no es tan fácil. La gente se acostumbra a vivir con “problemas”. Lo que debe hacer un creativo es precisamente anticiparse, es lo que hace Miguel cuando toma sus decisiones.

“Lo útil es bello”

En el caso de los diseños de Milá, en concreto la lámpara Cesta y todas sus versiones, son un claro ejemplo de forma y función en una simbiosis perfecta: una lámpara transportable, como los antiguos faroles y sus portadores, los serenos. Miguel, ¿qué fue primero el huevo o la gallina? ¿Lo bello resulta útil?, o ¿lo útil resulta bello?

MM: Mantengo que es indiferente, porque si no es útil no es bello. Ha de ser útil seguro, y si acaba siendo muy útil, acaba siendo muy bello.
AR: Permíteme añadir, profundizando en lo que ha dicho Miguel, que la utilidad es la finalidad, la belleza es una consecuencia de haber acertado la utilidad.
MM: Es lo mismo, pero bien explicado… (risas).

Los usos

André, así pues, pensemos en la reedición por Santa & Cole de la lámpara Tatu —o armadillo—, una lámpara con infinidad de usos. Para usted, y conectando con su respuesta anterior, más importante que la función, es la actitud del sujeto ante los objetos: los usos. Creo que es un concepto magnífico. ¿Puede elaborar esa idea de la usabilidad para este caso concreto?

AR: La idea de la lámpara Tatu surgió —volviendo a lo del problema— porque me gusta leer de noche en la cama y esto era una contrariedad, pues a mi mujer no. Había un problema por resolver. Viendo como en los aviones podía leer de noche gracias a un foco que iluminaba solo mi libro, mientras lo demás seguía en la penumbra, me dije: “¿Por qué no puede resolverse del mismo modo en casa?” No era cuestión de poner un foco en el techo, busqué un sistema exento que permitiera direccionar un haz de luz. Este fue el punto de partida de la lámpara Tatu.

Y en el plano de la experiencia del usuario, ¿usted tiene feedback de quién la usa?

AR: No suelo tener contacto con el usuario, pero sí con familiares y amigos que han tenido la Tatu. Por ejemplo, un aficionado numismático me comentó que era perfecta para examinar los sellos de su colección, para ver si tenían defectos ya que era una luz potente y muy concentrada. Tatu aporta un tipo de luz distinta con nuevas utilidades.

Y usted Miguel, ¿qué piensa de la relación del usuario con el objeto?

MM: Es indispensable el uso que hace el usuario del objeto, si no pensara en ello, ni pensaría en diseñar. Veo los problemas que tienen los consumidores y lo que pretendo es resolverlos de una forma amable, simpática, porque los objetos no siempre están en uso. Una lámpara, por ejemplo, está más tiempo apagada que encendida, por tanto, su presencia es importante, tiene que acompañar, tiene que ser confortable su visión, que no moleste, al contrario, que sea agradable. Me preocupa mucho el confort.
AR: Es lo esencial. En las lámparas, cualquiera de ellas, la satisfacción estética que emiten es consecuencia del buen servicio que nos dan. Cuando un objeto presta un buen servicio, lo miras con simpatía, y esa simpatía también forma parte del placer de usarlo.

Cierto, todos sentimos apego por ciertos objetos, sobre todo si nos funcionan bien. Incluso los recomendamos.

AR: Todos tenemos preferidos sin darnos cuenta. Sin ir más lejos, si queremos cortar algo, hay un cuchillo dentro de los varios que poseemos que preferimos a los demás y si lo buscamos es porque es el que cumple mejor su función.
MM: Bueno, es otro tema relativamente, también forma parte del todo, no sé porque la estética se aparta de la cuestión, sostengo que está unida al uso.

Además, es algo muy subjetivo… Siguiendo con la experiencia sensible y personal como en el caso de André, el avión y la Tatu, usted Miguel también se rige por el mismo sistema, ¿primero observa y después resuelve?

MM: Absolutamente, siempre y constantemente. Cuando me preguntan que cuándo diseño, contesto que continuamente. Voy por la calle resolviendo pequeños problemas que no llegan a realizarse pero que resuelvo mentalmente.
AR: Ser diseñador es una forma de ser, no puedes desconectarte, lo eres 24 horas al día.
MM: Y también me dicen: “¿Y aún trabajas a los 87 años? A lo que replico: ¡Pues sí!, todos los días (risas).
AR: Considero que una de las cualidades que ha de tener un diseñador es la capacidad de realizar en su mente una “película” de cómo funcionara en la práctica aquello que está diseñando. O sea, imaginarse como si fuera el usuario y viendo todo lo que pasaría, positivo y negativo, al utilizarlo. Esta capacidad de componer en la mente esta “película” viendo como será el uso de lo que se está creando, es básico para descartar errores e ir en la dirección correcta.

Los clásicos

Cambiando ligeramente de tema, ¿cuándo consideran que un diseño se convierte en un clásico? ¿cuándo perdura a lo largo de los años como es el caso de TMC, TMM y M64 y de Tatu?

MM: Para contestar a esto me referiré a una suerte que dijo un torero llamado “El Gallo” cuando uno de su cuadrilla le preguntó: “Maestro, ¿qué es lo clásico?” —nosotros siempre habíamos entendido que lo clásico era lo antiguo—, a lo que él contestó: “Aquello que no se puede hacer mejor”. A mi me gustó mucho esta frase. Pensé que hay que buscar la perfección.
AR: Creo que la permanencia de un objeto en el mercado se debe precisamente a la calidad de su diseño. Puede haber empresas que retiran productos válidos por razones que no tienen nada que ver con la calidad de su diseño, pero lo que se impone y perdura es lo que el público ha apoyado refrendado por la excelencia de su función. Existe una “selección cultural” del mismo modo que existe una “selección natural”, lo que no funciona se aparta, lo que no gusta se aparta y lo que permanece es lo que cumple bien su función.

Siguiendo con el tema formal, ¿el mejor diseño es el que contiene los mínimos elementos, como decía Van der Rohe: “Less is more”?

AR: Hay quien dice: “Less is a bore”. El principio que impuso la Bauhaus se basaba en que con las mínimas formas se pudieran conseguir mejores resultados, tanto funcionales como estéticos. Sigue siendo válido, no hay que complicar las cosas ¿por qué hacerlo complicado cuando se puede hacer sencillo?
MM: Cuando se complican las cosas es porque no se tiene clara la solución.
AR: Exacto, abigarrar es una forma de esconder defectos. La pureza de una solución, es generalmente, señal de una buena calidad creativa.

Filosofía de lo bello: utilidad sutil

Con respecto al tema de la función de un artefacto —objeto diseñado— y el papel que juega la estética, ambos afirman que la funcionalidad en sí es un valor estético. Además, existe la utilidad simbólica de la pieza, lo sutil, y que el placer que produce un objeto, por ejemplo, al mirarlo —por citar alguno de los sentidos— es también es una utilidad. ¿Pueden elaborar un poco más este concepto?

AR: Un producto cuando llega a su perfección funcional es también bello. Hay ejemplos en otros terrenos que relacionan la eficacia con la belleza. Por ejemplo, aun sin entender de golf o de tenis, viendo jugar a varios jugadores, nada más viendo el gesto que realizan unos y otros se ve cual es el que juega mejor. La limpieza de un swing, la armonía de una volea, están en relación directa con la perfección y eficacia del golpe.

¿Y sobre la utilidad sutil?

AR: El placer que proporciona un artefacto se debe en gran parte a que funciona bien. Si al entrar en una habitación hay una lámpara TMM en un rincón, recuerdas lo bien que te ilumina y esto hace que la veas con placer. Existe esta relación muy estrecha entre la satisfacción que da un objeto por su función y el placer de verlo.
MM: Todos los diseñadores que conozco, entre los cuales me incluyo, somos coleccionistas de objetos que nos han llamado la atención. El caso de Castiglioni es de los más memorables, tenía una colección inmensa. Recuerdo que en una ocasión en la que estábamos con él, nos regaló un vaso que estaba formado por dos láminas de acero, dichas láminas, al presionarlas por los lados hacían el gesto que hacemos con las manos para beber agua de una fuente. A mí me emocionó, no estéticamente, sino el ingenio y la simplificación en la ejecución, además me di cuenta de que era bellísimo, era como una especie de cono. Pues resulta que se trataba de un vaso de campaña del ejército americano. ¡Emocionante!, lo tengo todavía en casa.
AR: Miguel tuvo una gran colección de objetos rurales. Los objetos que han creado los campesinos para su necesidad diaria son generalmente excelentes ejemplos de diseño porque han pasado por un proceso de prueba y error hasta encontrar la forma que cumple perfectamente su función. Analizar estos ejemplos crea sensaciones como las que ha descrito Miguel.


La crítica archiconocida al movimiento moderno es la falta de espiritualidad y la excesiva homogeneización. Tras el movimiento moderno en arquitectura se han consolidado el deconstructivismo de Wolf Prix o Frank Gehry y más tarde el parametricismo de Zaha Hadid, abogando por las curvas y las formas orgánicas existentes en la naturaleza. ¿Qué piensan de estos estilos?

AR: El movimiento moderno fue muy radical con la aplicación de las formas puras y las líneas rectas. Si bien resultó un poco agresivo, supuso un abandono de la frivolidad que existía hasta entonces, del Art Nouveau, y su gran complejidad inútil en los objetos cotidianos. Había que racionalizar las formas para que funcionaran mejor y dejar de adornarlas con intención decorativa. Se comprende la crítica, pero pienso que las directrices que marcaron la Bauhaus y demás movimientos de aquella época han sido cruciales para la creatividad en todas sus facetas. Sin ir mas lejos, la sede de Santa & Cole, en la que hoy estamos charlando, es un maravilloso ejemplo de ello. Con respecto a lo que se llama arquitectura posmoderna, estéticamente se puede encontrar bella, son edificios-esculturas. El Guggenheim de Bilbao es una magnífica escultura como también lo es la Fábrica Vitra en Weil am Rhein, ambas de Gehry. Luego cuando visitas el Guggenheim en Bilbao, ves que todo ese rutilante edificio es simplemente el hall de entrada del museo. Las salas de exhibición son rectangulares y están colocadas a derecha e izquierda. Es una escultura que a la ciudad le ha ido de perlas, porque ha abierto Bilbao al mundo del arte. Lo cierto es que el museo está colocado en un sitio muy acertado, de modo que desde las calles que se dirigen a él, se le ve en el fondo como una joya brillante. En cambio, desde el punto de vista funcional, el Guggenheim de Nueva York, de Frank Lloyd Wright, es un excelente ejemplo de cómo plantear con lógica un museo. Se parte desde arriba y se recorre bajando en espiral, de modo que se ve toda la colección, sin omisiones. Son dos ejemplos de museo donde se aprecia lo que puede hacer una arquitectura con raciocinio y otra en la que se busca simplemente el efectismo.

¿Y los edificios de Zaha Hadid?

AR: Todo ha de ir en diagonal, en marcha hacia no se sabe donde, lo que complica innecesariamente la construcción, encareciéndola, cuando creo que, si hay medios deberían usarse en otras cosas. No veo justificación alguna desde el punto funcional, es pura estética.
MM: Jean Cocteau decía: “Moda es aquello que pasa de moda”. Por ejemplo, Gaudí es un genio al cual admiro, pero es un cursi. En cambio, la arquitectura y el diseño de La Casa Milá (La Pedrera), encargada por mi tío, es admirable. Acústicamente es impecable, aísla todo el sonido procedente de la calle debido a las curvas, los techos y los yesos ondulados, que además de disimular las imperfecciones son obras de arte. Por otro lado, admiro quién hace cosas inútiles, porque yo no soy incapaz, solo hago cosas útiles que sean lo más bellas posibles. Admiro la capacidad de hacer cosas inútiles y bellas.
AR: Pero entonces eso es arte.
MM: Sí, es arte.

¿El diseño tiene más presencia ahora que hace cuarenta años?

MM: Si, creo que Ikea, con sus virtudes y defectos, ha contribuido a elevar la cultura del diseño en todo el pueblo, debido principalmente a los precios —otro asunto es estudiar como se consiguen esos precios—. Uno de los inconvenientes del bajo costo es la corta vida corta de los productos. De cualquier modo, Ikea ha ayudado a que la gente entienda el diseño y deje de comprar copias de muebles antiguos de forma tan afectada.
AR: Tengo la impresión, quizás me equivoque, de que el diseño tal como lo concebimos Miguel y yo, ya no lo permiten las empresas hoy, quieren algo más inmediato. Diseñar cualquiera de nuestras obras no se hizo de la noche a la mañana, pasan meses. El director de una gran empresa me dijo hace poco, que cuando sale al mercado un producto de su sector que es un éxito, se dispone solo de cuatro meses (diseño/producción/difusión) si se quiere aprovechar su “rebufo”, la tendencia que ese producto ha generado. Cuatro meses no permiten hacer ninguna de esas cosas bien.

El diseño está en todas partes

¿En la actualidad el diseño es más versátil, más inclusivo, si quieren más popular, o es simplemente otra faceta más de la cultura material, el poseer por el afán de acumular?

AR: Creo que el diseño no ha pretendido jamás ser elitista. El modo en que se ha aplicado el término diseño a efectos publicitarios es otro tema. El diseño tiene que penetrar todo el tejido social y no limitar su venta a boutiques selectivas. Tendría que estar presente en tiendas como “El Corte Inglés” o similares. El diseño ha de estar en todos los productos y objetos de la vida cotidiana. Cuando visito un país que no conozco, voy siempre a un supermercado para ver la calidad de diseño de los productos más elementales: objetos de menaje, envases, paquetes de azúcar, etc. Observo si los blisters se abren fácilmente. Hay pequeños detalles como el fino hilo dorado en las pastillas Ricola o los chocolates After Eight, que hace que se abra perfectamente. Todo ello dice mucho del nivel de diseño del país.

Plagio u homenaje

¿Cómo afecta el tema de la propiedad intelectual en esta sociedad contemporánea, hiperconectada y de acceso a una cantidad casi ilimitada de información?

MM: En el pasado he sufrido mucho pensando en esto, ya no sufro nada, pienso que si copian será porque el producto es bueno, es casi una satisfacción.
AR: El plagio es la muestra de la máxima admiración hacia algo. Solo se plagia lo que se admira. Es una forma de expresar la admiración, mala sin duda, pero es una forma de admiración.
MM: Lo bueno es quedarse con lo bueno.
AR: El tema de las patentes me preocupó también en el pasado. Cuando empecé, en el año 1951, patenté mi primera silla. Hicimos diez ejemplares y no pasó de allí. Cuesta mucho dinero proteger bien un producto, hay que cubrir todos los países, etc. El placer, la satisfacción, me la produce el hecho de que un diseño mío guste a la gente y dure en el tiempo. Si se plagia, es que ha gustado, casi diría que es un premio que te plagien. Por cierto, hay una forma muy hábil de encubrir el plagio, consiste en llamarlo “homenaje a…” (risas).

Así pues, ¿creen que sirve en diseño la apropiación, reinterpretación, incorporación, revisión, incluso la parodia de los diseños de otros? –Aclaro que es una práctica muy habitual en el arte contemporáneo, disciplina con la que el diseño comparte tantos puntos de fricción.

MM: En el fondo todos copiamos, porque vamos aprendiendo unos de otros.
AR: Yo no emplearía el termino copiar, es cierto que todo surge de algo. Las ideas que uno produce tienen que haber entrado en nuestra mente de alguna manera, porque no se puede sacar nada que no haya entrado antes, a menudo de modo inconsciente: una imagen fugaz, un recuerdo, un sistema, todos aplicamos sistemas existentes. Un mecanismo complejo o una simple pinza de la ropa de madera sugieren cosas, inspiran, eso no es plagio, es aprovechar los descubrimientos que la especie humana ha realizado, aplicándolos y adaptándolos a los diseños propios. Lo del homenaje es distinto, por ejemplo, se puede realizar un objeto que tiene exactamente la forma de otro, si se le llama homenaje, uno queda disculpado.

Para acabar, ¿el diseño en su rol social es un espejo de los cambios en la sociedad?

AR: El diseño es eterno.
MM: El diseño ha existido siempre, por lo tanto, es absolutamente indispensable en la vida.

Entrevista por Marí­a Muñoz


Fotografía Adrià Cañameras

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